на главную контакты карта сайта

Методика работы с учебниками "Музыка". 1-4 классы  

III к л а с с
 
В III классе раздел «В музыкальном театре» «открывает» фея Сирени — иллюстрация к балету «Спящая красавица» П. Чайковского, который становится своего рода кульминацией в развитии восприятия детьми музыкально- симфонической драматургии. «Руслан и Людмила».

«Я славил лирою преданья». Начинается раздел со знакомой детям оперы М. Глинки. Учащиеся вновь обращаются к уже известным им «Маршу Черномора» и сцене похищения Людмилы, знакомятся с главными героями оперы. Сравнивают полнозвучную, лирическую арию отважного Руслана и легкую, изящную каватину нежной, любящей Людмилы, узнают, какие голоса исполняют эти партии в опере (баритон и сопрано). «Фарлаф».

Как опера построена на контрастных сопоставлениях, так и страницы учебника переносят детей со свадебного пира в трудный и опасный путь, который совершает один из персонажей — Фарлаф. Чтобы дети лучше  почувствовали, как композитор в стремительной арии, написанной в форме рондо, высмеивает спесь и бахвальство Фарлафа, учитель может выразительно прочитать (или попросить сделать это самих детей) начальную фразу: «О радость! Я знал, я чувствовал заране, что мне лишь суждено свершить столь славный подвиг», изображая серьезность и воодушевление. Затем спросить, что может представлять собой персонаж, которому принадлежат эти слова, каким рисуется его характер. Ребята обычно говорят: «смелый, мужественный, решительный». Однако при последующем слушании рондо выясняется, что музыка развенчивает этого «героя», выдавая его трусость и бахвальство. Дети сравнивают прямую речь героя с характеристикой, которую ему, дает Пушкин:
…Фарлаф, крикун надменный,
В пирах никем не побежденный,
Но воин скромный средь мечей…

Теперь, если обратиться непосредственно к музыке, можно убедиться в том, как ярко она передает все, что происходит в душе Фарлафа. Школьники с помощью учителя выясняют, какими выразительными средствами композитор рисует портрет Фарлафа.

Вначале — короткие фразы, частые повторы одних и тех же интонаций, прерывистая речь напуганного человека: «Я весь дрожу…» Здесь можно сравнить музыкальную интонацию с разговорной: как бы ребята сами сказали такие слова, а как передал их в музыке композитор? Реплику «Откройся мне, скажи, кто ты» учащиеся могут спеть и с названием нот, и со словами. Теперь можно вернуться к словам Фарлафа «О радость!» и прочитать их так, как они того требуют: очень значительно и хвастливо. В ответ на какие слова Наины они звучат?

В ходе работы выясняется, что образ волшебницы неизменен. Ее речь звучит на одном повторяющемся звуке, как заклинание: «Ступай домой и жди меня: Руслана победить, Людмилой овладеть тебе я помогу». С гордостью, важно признается она Фарлафу в том, кто она. А какое чувство возникает у детей, если они споют ее «признание»? Тему «Рондо Фарлафа» учащиеся также могут исполнить по нотной записи. При этом они должны постараться передать теперь уже совершенно иное состояние героя — безудержную радость, торжество и хвастовство. Здесь открывается и смысловое значение формы рондо, которая дает возможность композитору путем постоянного возвращения к рефрену утвердить главную мысль: «Близок уж час торжества моего».
 
Интересно сопоставить рондо Фарлафа с «Болтуньей» С. Прокофьева: юмористическая зарисовка персонажей, общность их характера (хвастливая болтливость), использование формы рондо. Сравнение поможет ребятам осознать взаимодействие различных средств выразительности, придающих неповторимый характер каждому образу. Почувствовать истинный характер героя поможет иллюстрация в учебнике — фото Ф. Шаляпина в роли Фарлафа, а также подпевание репликам действующих лиц, своего рода театрализация при повторном слушании всей сцены из второго действия оперы. Такая работа приучает детей быть внимательными к интонационной выразительности речи и музыки.
 
«Увертюра». В завершение работы над оперой учащимся предлагается вспомнить музыкальные темы главных героев, рассматривая их изображения на страницах учебника, и высказать предположение, на каких из них построена увертюра к опере. Ведь композитор пишет ее, как правило, после завершения работы над оперой. После прослушивания увертюры будет интересно выяснить с учащимися, насколько их предположения оказались точными. Конечно, основные темы с ребятами надо спеть, а побочную тему сначала спеть как вокализ, а затем как тему из арии Руслана со словами.
 
К сонатной форме, в которой написана увертюра М. Глинки, учащиеся в полной мере обратятся в средней школе, однако в III классе можно отметить особенности ее построения в самом общем плане. Увертюра как характерный зачин определяет эпико-философский склад оперы, и особенности ее построения влияют на силу ее воздействия на слушателей.

Учащиеся, несомненно, смогут самостоятельно разобраться в том, один или несколько образов в увертюре, и обнаружить, что, хотя она построена на контрастном сопоставлении тем — воинственной и лирической (главной и побочной), устремлены они к одному — светлому, доброму в жизни. Уже в начальной теме вступления — могучих аккордах — ярко слышен русский характер богатырских образов. Взвивающаяся вверх «удалая» тема, характерная для музыкальной речи М. Глинки, и плавная тема любви Руслана — это те светлые темы увертюры, которые определяют ее общий строй. Им противостоят темы царства Черномора — «аккорды оцепенения». Но, несмотря на звучание устрашающих интонаций Черномора, рождается общая устремленность к свету. Тема главной партии в конце увертюры перерастает в торжественный клич победы.

В увертюре преобладают «силы света», мажорные, торжествующие темы, предвещающие победу доброго начала. Можно рассказать детям о впечатлении, которое произвела опера «Руслан и Людмила» на великого мастера сказочно-эпической оперы Н. Римского- Корсакова, который в «Летописи моей жизни» заметил: «Действительная… любовь к искусству у меня началась со знакомства с „Русланом“». Исполнение и слушание заключительного хора оперы поможет учащимся ярче почувствовать жизнеутверждающую идею оперы. Установление интонационных арок между увертюрой и заключительным хором оперы «Руслан и Людмила» М. Глинки, самостоятельное выстраивание логики музыкального развития действия — все это, составляя решение творческих задач, активизирует детей, делает музыку личностно значимой для них. К тому же такая работа, привлекая внимание к музыкальной речи композитора, позволяет выявить особенности его стиля. Ведь, по словам Б. Асафьева, «…в творчестве каждого композитора, нередко сквозь всю жизнь, „бытуют“ несколько — обычно немного — излюбленных интонационных комплексов, вокруг которых и посредством которых сплетается сеть ассоциаций и возникают привычные образы…».

Русская попевка — стремительная тема главной партии — становится определяющей в дальнейшем развитии оперы, воплощая образ могучих народных сил. Она превращается в былинный эпический запев Баяна, в горестное, величественное размышление Руслана (минорное — «О поле, поле, кто тебя усеял мертвыми костями…»), воодушевленно-мужественную речь (мажорное — «Дай, Перун, булатный меч мне по руке…»), в торжественное звучание заключительного хора «Слава великим богам». Общее впечатление от встречи с оперой — радость, свет, восторг, солнце.Борьба добра и зла — одна из основных тем в искусстве, проблема жизни людей.
 
Пусть дети задумаются о добре и зле в жизни, о противоречивых мыслях, чертах характера человека, о том, что со всем этим мы встречаемся и в произведениях искусства. Можно спросить у них, не обращали ли они внимания на то, как в них самих иногда борются разные мысли. Иногда побеждает доброе, хорошее, иногда плохое. Каждому не мешало бы уметь разбираться в самом себе, понимать, что в нем есть хорошего и плохого, и стремиться к идеалу.
«Орфей и Эвридика».В этой опере немецкого композитора Кристофа Виллибальда Глюка (1714—1787) учащиеся вновь встретятся с резко контрастными образами добра и зла — Орфея и фурий (злых ведьм мрачного царства Аида). Несомненно, учитель познакомит третьеклассников с мифом об Орфее. Но стоит ли это делать до слушания музыки? Собственно музыкальную восприимчивость лучше всего воспитывает сама музыка. И пусть ребята напоют «Мелодию» К. Глюка, послушают ее в записи и задумаются над тем, какие чувства передает эта музыка. Лирическая мелодия, полная сдержанной, благородной скорби и любви, интонаций плача. Эти секундовые интонации напойте с детьми, ориентируясь на нотную запись в учебнике.
 
В основе переживаний человека — любовь, утраты, потери, стремление к счастью, добру, справедливости. Эти состояния особенно ярко проявляются при сопоставлении «Мелодии» и «Хора фурий». Наиграв тему хора фурий, можно спросить у детей, из одного ли произведения эти фрагменты. Если да, то в какой последовательности они могут звучать? Зло, ворвавшееся в жизнь человека, рок, изменивший его судьбу, — как звучит эта музыка?

Пусть школьники напоют тему хора и послушают его в записи. Мощное звучание оркестра, хора, акцентированные унисоны (резкое форте — sf ), ровное движение (как суровое заклинание), острые гармонии, возможно, напомнят им образ зла в другой опере («Марш Черномора» из оперы «Руслан и Людмила»). Зло в любую эпоху, в любой стране, как в жизни, так и в мифах, сказках, в разных видах искусства, всегда узнаваемо, и ему всегда противостоит могучее, доброе, светлое начало. После знакомства с мифом об Орфее и рассказа учителя об опере можно предложить детям повторно послушать «Хор фурий» и «Мелодию». Фурии символизируют силу, противостоящую человеку, как «веление свыше», то, с чем человеку приходится вступать в неравную борьбу, испытывая свою волю и проявляя героизм.

Как может музыка развиваться дальше? Пусть учащиеся выскажут свои предположения. (Чем настойчивее, напряженнее жалобы и мольбы Орфея, тем больше смягчается звучание хора, светлеет его колорит. Мягкая, пластичная, трогательная мелодия разрастается — ведь она должна очаровать и тронуть духов.) Пусть учащиеся задумаются: почему эту мелодию, написанную 250 лет назад, часто исполняют в концертных программах, по радио, телевидению? Чем она нас трогает сегодня? В чем ее сила? Важно, чтобы учащимся вновь захотелось к ней вернуться, чтобы на вопрос, старинная это музыка или современная, они не смогли ответить однозначно: музыка написана давно, современна, созвучна нашим чувствам и мыслям.
 
«Снегурочка».
Это еще один музыкальный спектакль, с которым встретятся учащиеся на страницах учебника для III класса. Можно обратить внимание на то, что опера М. Глинки была написана по поэме А. Пушкина «Руслан и Людмила», в основе оперы «Орфей и Эвридика» К. Глюка — древнегреческий миф о певце Орфее и силе искусства, а в основе оперы Н. Римского-Корсакова — пьеса А. Островского «Снегурочка».
 
Опере посвящены три разворота учебника. «Волшебное дитя природы». Первый разворот посвящен арии Снегурочки и сцене таяния. Вспоминая русскую народную сказку и рассматривая рисунок В. Васнецова, пусть дети попытаются представить музыку арии Снегурочки. Ведь ария, как правило, песенная музыка, выражающая мысли и чувства действующего лица оперы, оперного спектакля. Какой должен быть характер арии? Какой голос ее будет исполнять? Какие инструменты могут ее сопровождать?

Контраст музыки пролога (ария «С подружками по ягоду ходить») и сцены таяния позволит почувствовать учащимся, как реальность переплетается со сказкой. Пусть дети не только послушают арию Снегурочки, но и попробуют ее напеть для того, чтобы в полной мере ощутить непосредственность, шаловливость, легкость, воздушность Снегурочки, фантастические черты сказочного лесного существа («голос природы»); понять, как из интонаций ауканья вырастают колоратурные пассажи, виртуозные мотивы мелодии, которые больше напоминают инструментальные наигрыши. Они холодно и прозрачно звучат и в партии солирующей флейты. Можно обратить внимание на тембровую окраску темы и в сцене таяния. Если в начале солирующая скрипка и флейта (потом скрипки и кларнет, скрипки и гобой) окрашивают музыку в теплые и трогательные тона («Но что со мной? Блаженство или смерть? Какой восторг! Какая чувств истома!»), то на словах «Люблю и таю» к сопрано, кларнету и аккомпанирующим струнным присоединяются духовые и арфа. Именно глиссандо арфы позволит ощутить как бы истаивание, растворение мелодии.
 
Тема звучит несколько раз, и учащиеся, возможно, заметят рондообразность сцены. «Полна чудес могучая природа…» Во втором действии обрисован мудрый царь Берендей, который поражен красотой Снегурочки, сравнивает ее с нежным весенним ландышем. В учебнике дети увидят эскизы декораций В. Васнецова «Берендеева слободка» и сказочные «Палаты Берендея». Задумчиво звучит нежная мелодия каватины «Полна, полна чудес могучая природа…», которую исполняет высокий мужской голос (тенор) в сопровождении неторопливо сменяющихся красивых гармоний у засурдиненных струнных и непрерывно льющейся мелодии у солирующей виолончели. Все это раскрывает чуткую к прекрасному, поэтическую натуру царя Берендея, внешность которого часто сравнивают с обликом самого композитора. 

«В заповедном лесу». Эти страницы знакомят учащихся с пляской скоморохов, которая исполняется в третьем действии оперы перед Третьей песней Леля, и с заключительным хором оперы. Интересно, как ребята ответят на вопросы: в какой момент начинается пляска — сразу или сначала скоморохи выбегают, а собственно пляска начинается со звучания духовых инструментов (тема звучит как народный наигрыш гобоя в сопровождении струнных)? Меняется ли тема? Как она развивается?

Заключительный хор оперы «Свет и сила Бог Ярило» сочинен Н. Римским- Корсаковым в характере древних гимнических напевов. Целесообразно разучить с детьми эту мажорную мелодию хора, стараясь приблизить исполнение к звучанию в опере, где первую строфу запевает Лель, вторую исполняет хор, третью — ансамбль солистов, и наконец — оркестровое и хоровое tutti. Аналогично этому в классе начинает петь солист, затем группа детей, весь класс, учитель — соло на фортепиано (октавные унисоны) и в завершение весь класс — с аккомпанементом учителя при постоянном нарастании динамики и ускорении темпа. Все это поможет ярче почувствовать силу, блеск, яркость финала, полного радости и солнечного света

Ответы на вопросы, поставленные в учебнике, позволят детям достаточно полно проникнуть в суть идеи оперы о торжестве и могучей силе природы и искусства. Интересно сопоставить песенные и маршевые темы разного характера («Шествие царя Берендея» сравнить с «Маршем Черномора», «Маршем» из балета «Щелкунчик», маршем из оперы «Любовь к трем апельсинам», с «Хором фурий»). Что общего и различного во всех названных произведениях? Везде слышна поступь, однако насколько же она различна!

«Океан-море синее». Учащиеся знакомятся со вступлением к опере Н. Римского-Корсакова «Садко», в основе которой лежит былина. На вопросы в учебнике ребятам помогут ответить понятия, данные на этих страницах. Все вступление (тема моря — одна из главных в опере) вырастает из короткой нисходящей попевки. Что придает красочность этой музыке, как развивается эта интонация? Обратите внимание учащихся на сплетение восходящих и нисходящих ритмомелодических рисунков, непрестанное обновление (варьирование). Все это и рождает образные ассоциации с величавой и полной жизни морской стихией. «Струящиеся» мотивы и тональная окраска (ми- бемоль мажор) по звуко-цветовому ощущению композитора соответствуют «серо- свинцовой» цветовой гамме северного моря. Очевидно, учащиеся заметят, как в конце картины на фоне мотива моря мечтательно и фантастично звучат причудливые аккорды (гармонии), вызывая ощущение сказочности подводного царства.
 
Своеобразие таланта Н. Римского-Корсакова, заключающееся в сочетании слухового и зрительного воображения, объясняет яркую изобразительную силу его музыки, равную которой едва ли можно найти у кого-либо из величайших музыкантов мира. Он обладал чародейским даром отражать внешний мир в музыке. 

Балет «Спящая красавица». Знакомство учащихся с этим балетом П. Чайковского начинается со слушания вальса. Если учитель идет по последовательности разворотов учебника, то на предыдущих уроках звучали фрагменты из оперы «Снегурочка» Н. Римского-Корсакова, вступление к опере «Садко». В связи с этим, после того как учащиеся определят, что прозвучавшая на сегодняшнем уроке музыка — вальс, и напоют его мелодию, правомерно обратиться к ним с вопросом: «Эта музыка тоже принадлежит Римскому- Корсакову?» И затем попытаться вспомнить произведения, родственные этому вальсу. Здесь могут возникнуть две линии сопоставлений. Первая — это на поверхности лежащее образное сопоставление — знакомые вальсы разных композиторов: вальсы С. Прокофьева из «Детской музыки», из балета «Золушка», вальс П. Чайковского из «Детского альбома».
 
Вторая линия — сопоставление разных произведений П. Чайковского. Пусть учащиеся попытаются напеть мелодию «Марша деревянных солдатиков» медленно и плавно. Не обнаружится ли здесь родство интонаций с вальсом? Ведь у каждого композитора своя, очень отличающаяся от других композиторов музыкальная речь. А если вспомнить пьесы «Мама», «Шарманщик поет» из «Детского альбома» и сравнить их с вальсом из «Спящей красавицы»? Кто же сочинил эту музыку? Какой знакомый нам композитор? Пропевание мелодий каждого из произведений, их пластическое интонирование дают возможность ярче почувствовать музыку: через движение, жест учащиеся более глубоко в нее погружаются, и им в этом случае легче высказать свои впечатления, свое отношение к ней, так как практически они описывают свое собственное состояние, говорят о своих эмоциях, переживаниях, вызванных музыкой.

«Две феи». После того как назван автор этих произведений, можно сказать, что прозвучал вальс из балета П. Чайковского «Спящая красавица», и предложить послушать вступление — интродукцию к балету. С какими персонажами сказки знакомит нас музыка вступления? Что можно сказать о самом балете по вступлению? Можно ли предугадать события, которые будут происходить в балете, чем он закончится? Слушая интродукцию к балету «Спящая красавица», учащиеся, несомненно, отметят резкое противопоставление двух борющихся сил, после чего учитель может рассказать им о содержании балета, его действующих лицах (или спросить у самих ребят).

Музыка как бы представляет нам двух волшебниц: вестница добра — светлая, спокойная, лирическая тема феи Сирени противостоит натиску злого духа — острому, напряженному звучанию темы феи Карабос. После ответов детей можно обратиться к учебнику и, рассмотрев рисунки и нотную запись, попытаться «исполнить» темы феи Карабос и феи Сирени. Светлую, ласковую, успокаивающую тему феи Сирени можно напеть с учащимися. А тему феи Карабос, вероятно, лучше передать в движении. Пусть ребята сами найдут движения, наиболее точно передающие музыкальный портрет злой колдуньи. После такого «исполнения роли» каждого из действующих лиц балета можно еще раз более внимательно посмотреть нотную запись и постараться определить особенности каждой из тем: разницу в темпах (это первое, что прочитывается детьми), разную динамику (три forte — в теме феи Карабос и piano — в теме феи Сирени), разные штрихи (отрывистые, короткие, резкие звуки в первой теме  и плавное движение мелодии — во второй). Все это образует контраст интонаций, определяя разный характер каждой темы.

«Сцена на балу». На следующем развороте учащиеся видят фотографии различных сцен из балета «Спящая красавица», вновь слушают фрагмент вальса, выступая не только в роли слушателей, но и в роли дирижеров. Это целая поэма о вальсе, в которой «пластика поет». Очень важно спеть мелодию вальса, запомнить эту светлую, нежную музыку, поскольку интонации именно этого вальса претерпевают изменения в ключевой сцене, когда на балу появляется фея Карабос. Финал первого действия представляет собой широко развитую симфоническую сцену. Здесь изменившиеся интонации вальса, злорадно- торжествующее звучание темы феи Карабос, предвещающей трагедию, танец Авроры с веретеном (новое преломление темы феи Карабос), тема горя и отчаяния окружающих (виолончели и фаготы) вновь в сопоставлении с темой феи Карабос как виновницы всего происшедшего, и наконец — красивое, развернутое завершение всей сцены — плавно парящая мелодия феи Сирени (английский рожок) как смягчение злого заклинания, колдовства — все царство погружается в волшебный сон. Не стоит вспоминать (тем более рассказывать) с детьми сюжет сказки, в частности события, происшедшие на балу. Пусть они, вслушиваясь в финал первого действия и наблюдая за развитием отдельных интонаций и тем, попробуют самостоятельно представить себе все происходящее на сцене и ответить на вопросы: звучит ли вальс? Слышны ли знакомые интонации? В связи с чем изменилась мелодия вальса? (См. с. 200.) Как и когда появилась тема феи Карабос? Как музыка передает то, что происходит с Авророй, и какие чувства переживают гости? Чем заканчивается действие балета? Вся сцена звучит в подвижном темпе (скоро, живо), но как меняется в ней настроение… От безмятежно-светлого, радостного состояния — через волнение, вторжение злорадно-торжествующего начала, влекущего за собой смятение, скорбь, отчаяние, — к светлому, нежному звучанию, полному надежды и вместе с тем незавершенности. Дома учащиеся могут обратиться к рабочей тетради и, узнав персонажей сказки в рисунках, подобрать соответствующие краски для их характеристики. Кроме того, им предлагается представить себя режиссерами и дать свои предложения по «постановке спектакля».

«В современных ритмах». Постижение учащимися интонационно-образной выразительности музыки, развития музыкальной драматургии в целом продолжается при знакомстве с таким жанром, как мюзикл. Вниманию школьников предлагаются фрагменты из мюзиклов «Звуки музыки» Р. Роджерса и «Волк и семеро козлят на новый лад» А. Рыбникова.

Забавную песенку о звукоряде из кинофильма «Звуки музыки» ребята могут разыграть, как это сделано в фильме. Кто-то один возьмет на себя роль веселой и доброй учительницы, другие — роли непоседливых детей. Предварительно же, перед началом разучивания музыкального диалога, можно организовать своего рода игру «Эхо»: учитель поет и одновременно записывает ноты на доске, ребята следом повторяют звуки. Затем фрагмент разучивается по нотной записи (обе партии).

При этом целесообразно обратить  внимание на постоянное ускорение темпа, на достижение яркой эмоциональности исполнения верхнего голоса, насыщенности звучания, что в немалой степени зависит от аккомпанемента учителя. В дальнейшем звукоряд, лежащий в основе данного фрагмента, можно использовать в качестве распевания. Постановку мюзикла «Волк и семеро козлят…» можно осуществить к какому- либо школьному событию, празднику. На уроках в этом случае необходимо выучить песни Козы, козлят, выбрать солистов, ведущего. Партию Волка, возможно, стоит разучивать вне урока, чтобы его первое появление в спектакле было неожиданностью и дети смогли бы в полной мере ощутить особенности музыкальной драматургии: появление контрастной темы вносит в развитие действия резкий перелом. Пусть учащиеся вспомнят, где они уже встречались с такой особенностью, и скажут, чем, по их мнению, мюзикл А. Рыбникова отличается от детской оперы М. Коваля.
 
IV к л а с с

В IV классе в музыкальный театр вводят строки А. Пушкина «Театр уж полон; ложи блещут…» и продолжается знакомство с оперой «Иван Сусанин» М. Глинки. Важно напомнить учащимся, что с фрагментами из этой оперы они уже встречались. Целесообразно вернуться к хоровой интродукции, с которой они познакомились и инсценировали в III классе, и расширить эту инсценировку.
 
Опера «Иван Сусанин».
«Бал в замке польского короля» (II действие). Учащимся предлагается представить себя на балу и послушать, каким танцем он открывается. Наиграв начальные фразы «Полонеза» (фанфары), вспомнить, встречались ли они с похожим танцем («Полонез» Ф. Шопена как музыкальный символ Польши), и послушать «Полонез» М. Глинки в записи. Сравнение двух полонезов как нельзя более ярко покажет общность интонаций, характерных для этого величественного танца-шествия.
 
Дополнительная информация

Название танцу дали французы: polonais по-французски значит «польский» Изначально — это крестьянский мужской степенный танец-шествие (четырехдольный), который сопровождал возвращение крестьян с полевых работ. Позднее — воинственный танец, популярный в среде польской шляхты. К концу XVII в. он приобрел тот трехдольный ритм, который стал его отличительной чертой. Благодаря раздробленной первой доле в полонезе грациозность танца удивительно сочетается с твердостью марша. С XVIII в. наряду с танцевальным полонезом появился полонез инструментальный. Фортепианные полонезы Ф. Шопена стали вершиной жанра.
Полонезы — это целые поэмы, горделивые и рыцарственные, блестящие и трагичные, они стали символами той Польши — прекрасной, страдающей родины Ф. Шопена. Одним из известнейших полонезов мира стал полонез младшего современника Шопена — М. Огиньского, который получил название «Прощание с Родиной».
В России при Петре I полонезы открывали так называемые Петровские ассамблеи. К звукам оркестра присоединяются голоса пирующих магнатов и шляхтичей. В чем особенность «Польского»? Можно предложить классу исполнить шаг полонеза, обращая внимание на осанку детей, ее горделивость, важность.

Желательно напеть (сначала без слов) мелодию не только первой части «Полонеза», но и середины и постараться представить то, что происходит на сцене: кто поет вначале, а кто исполняет среднюю часть? Как вкрадчивый и кокетливый хор женщин подогревает воинственный пыл поляков? Какие особенности музыки подчеркивают хвастливую уверенность завоевателей Руси? А как звучит на балу другой танец? Энергичные возгласы оркестра возвещают о начале мазурки.

Дополнительная информация
Здесь вновь возникает сравнение музыки Ф. Шопена и М. Глинки — национальных танцев польского композитора и польских танцев в музыке русского композитора. Безудержно-веселые и изящно-капризные, меланхолические и страстно-трагические, шутливые и нежно-лирические, звучащие как воспоминание, размышление, близкие народному крестьянскому танцу и похожие на блистательный бальный танец — со всем этим разнообразием мазурок Ф. Шопена как «энциклопедии» фортепианных мазурок учащиеся уже встречались в разделе «В концертном зале». М. Глинка «не скрывал и не прятал красивых качеств» польской культуры. Она была ему дорога.
«Совесть великого художника, — по словам Б. Асафьева, — не позволяла Глинке фальшивить и гротескно искривлять польское». Характером мазурки (как и полонеза) композитор дает понять, что речь идет о порабощении русского народа польскими магнатами. Эти танцы полны внешнего блеска, нарочито воинственной энергии.

Желательно сравнить особенности полонеза и мазурки между собой и с вальсом. Для этого учащиеся должны выполнить задания в рабочей тетради. У этих танцев одинаковый размер — трехдольный, но в полонезе акцентируется сильная доля, а в мазурке — последняя, третья доля. Ритм мазурки основан как бы на споре между сильной долей и двумя слабыми, значимость которых постоянно подчеркивается акцентами. Такой живой и свободный ритм придает мазуркам особый, совершенно отличный от других танцев характер. Целесообразно вспомнить и песню «Желание» Ф. Шопена, написанную в ритме мазурки. После повторения уже знакомого материала и сравнения полонезов и мазурок Ф. Шопена и М. Глинки учащиеся вместе с учителем могут углубиться непосредственно в действие, происходящее в опере «Иван Сусанин».
 
Вторжение неизменно воинственных интонаций полонеза поможет понять в дальнейшем развитии действия, что появились враги, но о том, что происходит с ними, зримо свидетельствует переинтонирование мелодии мазурки, ее постоянные изменения. Именно мазурка оттеняет начало собственно драматического действия. С мазурки и финала второго действия оперы начинается противопоставление русского и польского элементов в музыке. Однако это не противопоставление двух национальных культур.

В учебнике перед учащимися поставлен вопрос, как меняется звучание мазурки после неожиданного сообщения гонца об окружении польского отряда в Москве, требующий внимательного вслушивания в развитие музыки. После блеска и воинственности — недолгое раздумье: музыка звучит медленнее, исчез воинственный пунктирный ритм мазурки, поет сначала хор гостей, а затем хор рыцарей, в мелодии сохраняются лишь основные звуки мазурки. (Мелодии могут быть выписаны учителем на доске).

«За Русь мы все стеной стоим…» (III действие). В этом действии произойдут первые столкновения Сусанина с врагами. Пусть учащиеся постараются войти в роль Сусанина, в содержание действия (Сусанин, Антонида и Ваня, заканчивая приготовления к приему гостей, тихо беседуют) и разучат мелодию «Ну вот и дожил, слава Богу, до свадьбы дочери моей», переживая тихую, спокойную радость. Мягко в сопровождении струнных инструментов звучит голос отца (тема семейного счастья — ее также можно напеть с детьми). Перед слушанием сцены в записи учитель просит учащихся обратить внимание на то, вся ли музыка этой сцены звучит спокойно. Это не просто покой — на музыку находит как будто «печальная тень»: в момент наивысшей радости — предчувствие боли разлуки, как бы подготовка к последующим событиям. (Естественно, запись сцены на первом этапе необходимо давать с остановками.)

Настороженный слух как бы подготовлен к тому, чтобы почувствовать, что в развитии музыкально-сценического действия назревает важный поворот: несколько воинственных звуков, как бы выхваченных из полонеза и неуместно (после русских мелодий) прозвучавших в оркестре. О чем говорят эти воинственные интонации, уже знакомые нам? Наиграв начало полонеза на фортепиано, учитель просит учащихся спеть его мелодию (в учебнике дается ритмическая запись его интонации). Пусть учащиеся попытаются узнать его по ритму.

При дальнейшем звучании музыки в записи более осознанно воспринимается различие интонаций польских и русских. Можем мы только по музыке, не видя сцены, определить, в какой момент поляки входят в дом Сусанина? Теперь не отдельные интонации полонеза, а весь он полностью звучит в оркестре. На его фоне поет мужской хор: «Эй, кто тут? Чей дом здесь? Здорово, хозяин!.. Где стан? Где войска? Где обоз их? Где Минин?.. Где он станом стоит?..» Ч

то и как отвечает Сусанин полякам? Интересно с ребятами проследить за развитием действия. Как Сусанину удается сохранять спокойный, неспешный тон беседы со своими детьми, разыгрывать радушного хозяина и приглашать поляков быть гостями на свадьбе? Как он размышляет, оттягивая время? Пусть учащиеся вслушаются в его реплики, в звучание оркестра — русские мелодии, как бы противостоящие полонезу, в то, как все настойчивее, требовательнее (теперь уже на фоне энергичной мазурки) звучит речь шляхтичей. С ответом Сусанина («Велик и свят наш край родной! Блестят снега в тиши лесной. Под белым снегом скрыта сила!») ребята знакомились еще в III классе.
 
Сравнение его с хором «Славься!» помогло им почувствовать уверенность, гордость, величие Сусанина и подойти к пониманию основной мысли оперы: через подвиг Сусанина — к победе и всенародному торжеству. Этот ответ Сусанина звучит торжественно, плавно, медленно, по-богатырски, выражая чувства всего русского народа. С гордостью звучат слова Сусанина: «В Москву дороги нет чужим!» Взбешенные шляхтичи обнажают сабли, с возрастающим гневом звучат их голоса: «Ты долго нам головы будешь морочить?.. Тут же на месте тебя мы убьем!» Что отвечает Сусанин полякам и на какую музыку? Пусть ребята сами вспомнят мелодию из интродукции, сыгранную учителем на фортепиано. На запугивание врагов Сусанин отвечает как настоящий герой, бесстрашный и мужественный, выпрямившись во весь рост: «Страха не страшусь, Смерти не боюсь, Лягу за святую Русь». Образ Сусанина теперь объединен с образом 122 народа.
 
Целесообразно исполнить варианты мелодии с разными словами — как пели уставшие воины в начале оперы, как звучит ответ Сусанина полякам, когда он смотрит в глаза смерти? Шляхтичи в замешательстве, смущенно переговариваются. Сусанин поспешно рассказывает Ване о своем замысле завести врагов в лесную глушь. От угроз поляки переходят к подкупу, щедрым посулам. Вновь слышны интонации мазурки в хоре шляхтичей. Здесь можно напомнить слова Н. Гоголя, который противопоставил раздольный мотив русской песни и опрометчивый мотив мазурки. Сусанин делает вид, что золото соблазняет его: «Да, ваша правда! Деньги — сила!»

Музыкальная речь Сусанина на этих словах резко меняет свой характер: в ней явно ощущаются интонации мазурки, как будто Сусанин подделывается под поляков, только суровая, восходящая хроматическая мелодия в басах как бы противостоит мазурке. Сложное душевное состояние удается передать М. Глинке: притворная готовность уступить настоянию врагов и скрытые презрение и гнев. В заключение звучат слова Сусанина: «Панам вельможным услужу, прямым путем вас провожу!» На них также следует обратить особое внимание для того, чтобы в дальнейшем сравнить их со вступлением и последними словами из арии Сусанина («Настало время мое»). Это привлечет ребят к осознанию интонационной выразительности музыки — простой нисходящий звукоряд, наполненный совершенно разным смыслом. Мелодии ответов Сусанина полякам можно выучить с ориентацией на нотную запись в учебнике. Интересно, что и как отвечает Сусанин на вопрос поляков: «Хитришь иль нет?», когда он уже завел их в глухую чащу. Широкая, как бы устремленная вверх интонация (в духе народной песни) переходит в утверждающую, уверенную: «Хитрить мне нужды нет — по совести своей веду гостей». Вновь звучит интонация звукоряда, но теперь — в ином ритме. Отсюда и иной характер. Если учитель наиграет один такт сопровождения, учащиеся наверняка узнают в нем интонации русской народной песни «Вниз по матушке, по Волге».

Вернемся в дом Сусанина, где он прощается с дочерью Антонидой, пытаясь успокоить ее: «Ты не кручинься, дитятко мое!» Разучивание этой темы самими детьми позволит им в полной мере почувствовать всю противоречивость чувств, выраженных в музыке: любовь, нежность и горечь расставания, печаль и мужественную скорбь. (Вновь можно обратить внимание на интонацию в заключении темы — та же ниспадающая интонация, но завершающаяся двумя жизнеутверждающими квартовыми ходами: «…всю жизнь прожить, не зная зла и слез».) Короткое оркестровое заключение еще более подчеркивает трагический поворот в развитии событий, человеческих судеб семьи Сусанина.

Учащимся можно предложить разыграть всю сцену прихода врагов в дом Сусанина. Это позволит им в полной мере ощутить, на чем основана музыкальная драматургия оперы, как важно передать все глубинные контрасты (в данном случае русских и польских мелодий), чтобы лучше понять не только ход событий, но и все, что происходит в душе героев оперы. При этом важно, чтобы ребята не только вслушивались в отдельные темы, которые сопоставляются друг с другом, но и в то, как они сочетаются в одновременном звучании (в их полифоническом развитии). 

«Сцена в лесу» (IV действие). Этот разворот учебника посвящен сцене в лесу. Однако, прежде чем послушать предсмертную арию Ивана Сусанина, можно предложить учащимся послушать запись начала сцены с поляками, чтобы войти в курс событий. Узнают ли они (и по каким особенностям), кого характеризует эта музыка?

Жалобные, плачущие голоса хора на фоне звучащей в оркестре значительно измененной мазурки: «Устали мы, продрогли мы!..» Как всегда, ребятам предлагается исполнить тему и этого хора, вслушаться в его сопровождение, понять, как переинтонирование темы польского танца (необыкновенно тихое звучание, в котором вместо стремительно взлетающей мелодии при сохранении пунктирного ритма звучат ползущие, хроматические интонации) показывает теперь совершенно иной облик поляков — состояние трагического оцепенения и безнадежности. Учащимся предлагается сравнить звучание темы мазурки четвертого действия с тем, как она звучала впервые, на балу, напеть мелодию или передать соответствующими движениями характер мазурки в первом случае и во втором. И наконец — кульминационная ария Сусанина, в которой он изливает свои тяжелые думы. Он идет на подвиг без страха, но не может побороть скорби сердца: последний час настал. Дети слушают речитатив и арию. И достаточно ярким для них становится контраст между силой Сусанина и одновременно его глубокой скорбью, печалью. Речитатив («Смерть близка! Но не страшна она: свой долг исполнил я. Прими мой прах, мать-земля!») продолжает инструментальное вступление к арии, ниспадающее, никнущее.

Учащиеся могут исполнить (подчеркнуть) расслабленными движениями рук нисходящую интонацию (которая звучит сначала у деревянных духовых — флейта, гобой, кларнет, затем у струнных), передавая тем самым обреченность ситуации, и затем исполнить начало арии, которая дает возможность почувствовать, что делается в душе Сусанина. Аккомпанемент арф в оркестре придает напеву эпическое звучание, величаво звучит предсмертная песня Сусанина. Где еще учащиеся с этим встречались? Совсем иное содержание, иные действующие лица, иные эпохи, но есть нечто объединяющее их — эпический характер звучания, былинный склад мелодии, которую сказывали под аккомпанемент гуслей. Можно вспомнить гусляра Садко, песню Баяна (напомним, что в оркестре звучание гуслей имитировали фортепиано и арфа). Именно в том случае, когда музыка во всех ее внутренних связях и отношениях определяет музыкальную деятельность школьников, представляется реальная возможность заинтересовать их музыкальным искусством, эмоционально увлечь, раскрыть перед ними тот мир мыслей, отношений, чувств, который составляет сущность музыкально-художественной образности.

«Исходила младешенька». В этом же классе учащиеся знакомятся еще с несколькими оперными фрагментами: повторяют вступление «Рассвет на Москве-реке» к опере «Хованщина» М. Мусоргского, разучивают песню Марфы «Исходила младешенька», сравнивают «Пляску персидок» из «Хованщины» и «Персидский хор» из «Руслана и Людмилы» М. Глинки — восточные интонации в музыке русских композиторов. М. Мусоргский для характеристики Марфы, одной из главных героинь оперы «Хованщина», использовал подлинную народную песню «Исходила младешенька».

Познакомив ребят с песней, можно спросить, какой представляется им героиня оперы по этой музыке. Случайно ли самые сокровенные думы, переживания любящей и покинутой женщины Марфа изливает именно в народной песне? Конечно, нет, потому что в тяжелые жизненные минуты она обращается к утешающему источнику народной мудрости. Песня, как сопереживающий ее горю друг, помогает облегчить душевные страдания. Слушая песню, обратите внимание на ее построение: сопровождение каждого куплета меняется, тонко следуя за словесным текстом (с аналогичным варьированием сопровождения мы встречались не раз). Не случайно композитор, который всю жизнь стремился к «жизненной, не классической мелодии», обратился именно к этой песне. Ее отличает красота и благородство широкой, раздольной мелодии, которая изливается словно из глубины души, не теряя при этом связи с выразительностью человеческой интонации. Создавая «Хованщину», М. Мусоргский писал: «Работою над говором человеческим я добрел до мелодии, творимой этим говором… Я хотел бы назвать это осмысленною, оправданною мелодией».

Неизбывность льющейся мелодии создается неустойчивыми окончаниями в конце фраз (квинтовые ходы), каждая из которых как бы стремится к продолжению. Исполнение этой песни требует большой работы над широтой дыхания, кантиленным звучанием. В учебнике предлагается сравнить песню «Исходила младешенька», с одной стороны, со вступлением к опере М. Мусоргского, с другой — с мелодией «Мертвое поле» из кантаты С. Прокофьева «Александр Невский». Вспоминая мелодию С. Прокофьева, напевая ее со словами и с названиями нот, важно обратить внимание на то, как тонко и своеобразно претворены в ней народно- песенные интонации, что эта строгая русская мелодия стоит в ряду классических образцов. Ее интонации близки и арии Руслана о мертвом поле. Сравнение поможет учащимся ярче почувствовать родство музыки русских композиторов, близкой интонациям народной музыки. Здесь можно говорить о вариантности интонаций русской песни, сложном размере, переменном ладе с оборотами натурального минора.
 
«Русский Восток». Не менее ярко представлено в музыке русских композиторов интонационное своеобразие и музыки других народов. Начиная с М. Глинки в русской музыке впервые ожили восточные образы, присущие русской сказке. Поэтизация Востока русскими композиторами нашла свое отражение в различных музыкальных жанрах: в опере, балете, сюите. Достаточно назвать «персидские напевы» в операх М. Глинки и М. Мусоргского, симфоническую картину «Шехеразада» Н. Римского-Корсакова.
 
«Сезам, откройся!» Учащимся можно предложить найти характерные движения и, вокализируя, «исполнить» «Пляску персидок» из оперы «Хованщина» М. Мусоргского, разучить «Персидский хор» из оперы «Руслан и Людмила» М. Глинки, который звучит в волшебном замке Наины. Мелодико-ритмическое своеобразие ребята в полной мере могут ощутить, исполняя названные фрагменты с ориентацией на нотную запись в учебнике. Сочетание разнообразных длительностей, пунктирного и синкопированного ритма, витиеватость и затейливость звуковысотной линии мелодии, в которой,  так же как и в русской музыке, часто встречаются распевы, но роль их здесь иная — они как бы украшают, расцвечивают мелодию. Изящество оркестровых приемов, богатство тембровых красок (струнные, фагот, флейта, кларнет), вариационное развитие сопровождения, например в «Персидском хоре» М. Глинки, они смогут почувствовать, вслушиваясь в оркестровое, хоровое звучание музыки. Так ли развивалась музыка в песне Марфы в опере М. Мусоргского? Какие отличия отметят ребята?

«Восточные мотивы». Здесь представлена музыка Арама Ильича Хачатуряна (1903—1978). Необходимо обратить внимание на своеобразие колорита, линий, орнамента, которые учащиеся увидят на картине М. Сарьяна «Армения» и в эскизе декораций, и перекличку их с особенностями музыки балета «Гаянэ». Музыка этого балета А. Хачатуряна органично связана с музыкальной культурой закавказских народов, и больше всего — родного ему армянского народа. Композитор вводит в балет несколько подлинных народных мелодий, среди которых «Русская пляска», украинский «Гопак», армянский женский танец «Узундара», получившие свободное, широкое симфоническое развитие. Слушая в записи «Колыбельную Гаянэ», интересно выявить (обобщить) с ребятами важные особенности как русской, так и восточной музыки.
 
Если о русской музыке мы говорили, что вся она песенна, то, к примеру, армянская народная песня чрезвычайно танцевальна, для нее характерны ритмы танца. Именно поэтому так естественно звучит песенно-танцевальная мелодия «Колыбельной», которую можно разучить с детьми. Нежно, ласково и вместе с тем грустно звучит песня, мелодию которой в оркестре играют сначала флейта, затем скрипки. Мелодия варьируется, приобретает все более широкое звучание. На страницах учебника ребята увидят нотную запись не только мелодии, но и характерные интонации сопровождения. Они выписаны на одной нотной строке. Надо попытаться вычленить мелодию, разучивая ее с классом не только на слух, но и с названиями нот, а также увидеть мерную ритмическую фигуру на одном звуке, которую в оркестре играют фагот и арфы (первоначально этот равномерно повторяющийся звук имеет убаюкивающий, успокаивающий характер, но по мере развития ритмически мерный бас принимает на себя роль органного пункта, придающего музыке драматический характер).

Вероятно, учащиеся заметят и необычное завершение фраз — светлое октавное звучание колокольчиков, которое ребята могут включить в собственное исполнение мелодии, подражая ему игрой на треугольнике. О том, что это не просто песня, а фрагмент балета — сценического произведения, говорят особенности развития музыки. Колыбельной предшествует мерная («баюкающая») вступительная мелодия гобоев, которая связана со скорбными, драматическими темами Гаянэ, да и сама мелодия постепенно приближается к драматическому монологу: внешнее действие сочетается с показом душевной драмы героини. Завершается балет праздником, где звучат самые разные танцы. Среди них и знаменитый «Танец с саблями», энергичный, темпераментный, показывающий силу, удаль, ловкость, что характерно для народных праздников. Предложите  учащимся самостоятельно ответить на вопросы, поставленные в учебнике, отметив характерные черты этого танца, средства выразительности, оттеняющие его особенности: равномерный, волевой ритм, как бы скандирование мелодии в быстром темпе, звонкие и резко акцентированные оркестровые аккорды. Все это воспроизводит быстроту и ритмичность движений, сабельные удары.
 
Обратите внимание детей на особенности построения (трехчастность формы) этого танца. Балет «Петрушка». Здесь учащиеся знакомятся с новым для них именем — Игорь Федорович Стравинский (1882—1971) и с музыкой его балета «Петрушка». Напомним, что музыкальный материал учебника условно распределен по разделам, поэтому при планировании уроков вы можете обратиться к музыке И. Стравинского, изучая материал других разделов. В разделе «В концертном зале» балет «Петрушка» предстает перед учащимися прежде всего как многокрасочная симфоническая сюита. В разделе «Чтоб музыкантом быть…» акцент делается на особенности музыки И. Стравинского, на ее отличии, скажем, от музыки П. Чайковского.

В разделе «Гори, гори ясно…» следует подчеркнуть образное выражение настроений народного праздника, его мозаичность, обратить внимание на многозначность музыкальной характеристики. В данном разделе как бы суммарно представлены все названные направления. Рассмотрите с детьми картину Б. Кустодиева «Балаганы». Множество деталей, ярких и сочных красок народного гулянья слито в единое целое: люди, тройки, театральное представление, деревья с заснеженными ветками, нависающими над площадью… Звучит ли эта картина и как? Пусть учащиеся попытаются аргументировать свои ответы. Картина может быть представлена детям в сопоставлении, например, с картиной М. Сарьяна (предыдущий разворот учебника) или с картиной М. Нестерова «В скиту», с картинами Д. Лейстера «Мальчик-флейтист» или «Музыкантши» неизвестного автора (см. учебник для III класса). К какому времени, к каким эпохам относятся эти картины? Какому народу или стране они принадлежат? Безмолвны они или звучат? Естественно, они должны быть озвучены соответствующей музыкой.

Внимание учащихся привлекается к стилевым особенностям музыки — эпохальному, национальному и, конечно, индивидуальному стилю композитора. Прочитать содержание первой картины балета и выполнить задания в учебнике учащиеся могут до слушания музыки. Познакомьте их с главными темами. В процессе (или после) прослушивания сцены следует отметить, что отдельные музыкальные темы объединяются между собой музыкой, изображающей разноголосый гомон праздничного гулянья. Это придает построению сцены балета черты рондо. Кульминация всей сцены — русская пляска. Яркими красками отдельных инструментов и всего оркестра в целом расцвечена эта музыка. Красочность музыкальной ткани, обилие разнохарактерных, контрастных эпизодов, передающих праздничное настроение, роднит музыку И. Стравинского с картиной Б. Кустодиева. «„Петрушка“ — это сама жизнь! — писал композитор Н. Мясковский. — Вся музыка его полна такого задора, свежести, остроумия, такого здорового, неподкупного веселья, такой безудержной удали… точно вы сами в снежно- солнечный, сверкающий масленичный день… втесались в праздничную, веселую, хохочущую толпу и слились с ней в неразрывное ликующее целое».

Впечатление учащихся от музыки балета будет полнее, если затронуть вопрос о выразительном значении изобразительного искусства на театральной сцене. Это и декорации, и костюмы действующих лиц (эскизы двух костюмов учащиеся увидят в учебнике), и световое оформление сцены. В оперном и балетном спектаклях слуховое восприятие всегда обогащается зрительным восприятием всего, что предстает перед глазами. Можно предложить учащимся представить себя в роли художников-оформителей, декораторов, костюмеров и нарисовать дома фрагменты из наиболее запомнившихся и полюбившихся им опер и балетов так, чтобы рисунки отвечали образному содержанию музыкального спектакля, подчеркивали характер, настроение той или иной сцены.
1 В учебнике последовательность разворотов иная (прим. ред.). 2 К музыке оперы учащиеся обращаются и в III классе.
Они возвращаются к уже знакомым фрагментам, слушают и напевают новые: арию Руслана, каватину Людмилы, рондо Фарлафа (сцена Фарлафа с Наиной). В завершение школьники на основе знакомства с главными героями оперы пытаются заключить, на каких же темах построена увертюра, и слушают ее повторно. 

В КОНЦЕРТНОМ ЗАЛЕ
 
Сквозной линией содержания всех учебников является мысль о триединстве «композитор — исполнитель — слушатель», которое предполагает накопление слухового опыта детей при восприятии различных музыкальных произведений, сочиненных русскими и зарубежными композиторами. Раздел «В концертном зале» помогает закрепить представления детей о таких музыкальных жанрах, как симфоническая сказка, фортепианная сюита, симфоническая сюита, увертюра к опере, симфония, инструментальный концерт, камерные сочинения (песня, романс, инструментальная пьеса, соната). Восприятие и исполнение произведений этого раздела направлено на то, чтобы осмыслить различные музыкальные формы (вариации, двухчастные и трехчастные композиции), приемы развития музыки (повтор, контраст, вариационность), особенности языка сочинений.

Дети знакомятся не только с произведениями, написанными для симфонического оркестра и отдельных инструментов (фортепиано, флейта, скрипка, виолончель и др.), но и с известными исполнителями, концертными залами, исполнительскими конкурсами. Особое внимание при освоении произведений, включенных в этот раздел, следует обратить на то, чтобы атмосфера восприятия музыки учащимися в классе приближалась к атмосфере концертного зала.

Ролевые игры «На концерте», «В гостях у композитора», «Мы — исполнители», которые можно организовать на уроках музыки, будут готовить детей к ситуации посещения концертного зала, развивать их внимание к особенностям посещения концерта — праздничная одежда, знакомство с афишей и программой концерта, слушание музыки в тишине, выражение своего позитивного отношения к понравившимся музыкальным произведениям и их исполнителям (аплодисменты) и пр.
 
В I классе отдельные развороты учебника-тетради подготавливают учащихся к осмыслению понятия «концертный зал». Так, здесь начинается знакомство первоклассников с музыкальными инструментами, как с русскими народными (свирель, дудочка, рожок, гусли), так и с профессиональными (флейта, арфа, лютня, клавесин, гитара, фортепиано). В атмосферу концертного зала детей вводят также и рубрики «Звучащие картины». Уже в I классе учащиеся осваивают различные музыкальные жанры, которые могут звучать в концертном исполнении (инструментальные пьесы, фрагменты из сюиты, кантаты, симфонии), сами учатся быть исполнителями (поют песни, играют на простейших музыкальных инструментах). Они знакомятся с первоначальными понятиями, позволяющими им ориентироваться в музыкальном языке произведений, средствах выразительности, приемах развития музыки, форме, изучают элементы музыкальной грамоты. В учебнике-тетради для I класса дети выполняют задания, связанные с оформлением таких атрибутов концертного зала, как афиша и программа.
 
II к л а с с

Рассматривая с учащимися рисунки и фотографии на шмуцтитуле, можно обратить их внимание на изображение здания Большого зала Московской 129 консерватории — одного из лучших концертных залов России, памятник П. Чайковскому, установленный перед входом в Московскую государственную консерваторию, которая носит его имя1.

Рассказ обо всем этом может сопровождаться звучанием уже знакомых детям сочинений П. Чайковского. Это могут быть «Марш», «Вальс снежных хлопьев», «Па-де-де» из балета «Щелкунчик», пьесы из «Детского альбома». Возвращение к уже знакомой музыке на новом уровне — углубление в ее интонационно- образное содержание — приближает музыку к детям и детей к музыке. Знакомое произведение становится все более любимым.
 
«Симфоническая сказка». Начиная знакомство учащихся II класса с музыкой симфонической сказки С. Прокофьева «Петя и волк», можно напомнить о том, что в опере они уже встречались с музыкальными темами — характеристикой героев детской оперы М. Коваля «Волк и семеро козлят» Но если в опере эти темы персонажи поют, то в сказке С. Прокофьева темы героев исполняют разные инструменты симфонического оркестра. Каждый из инструментов имеет свой неповторимый голос — «тембр», как говорят музыканты. Знакомясь с темами действующих лиц сказки, нужно обращать внимание на их жанрово-интонационные особенности, например, тема Пети напоминает и песню, и танец, и марш. Это не случайно. Ведь Петя — мальчик, такой же, как и все дети, — играет, веселится, танцует и поет, «разговаривает» со своими знакомыми. Мелодия Пети, исполняемая струнными инструментами оркестра, беззаботная, легко взлетающая вверх. Так она звучит в начале сказки.

А если прислушаться к «Заключительному шествию» в конце сказки, то становится понятным то, что Петя — герой, он со своими друзьями поймал злого Волка: музыка звучит торжественно, в темпе неторопливого шествия-марша. Теперь тему Пети играют не только струнные инструменты, а весь оркестр, поэтому она звучит так уверенно и важно. Птичка, маленькая и легкая, охарактеризована высокими «чирикающими» звуками флейты (со звучанием этого инструмента и темой Птички учащиеся познакомились еще в I классе). Кошку, хитрую и осмотрительную, крадущуюся на мягких лапках, изображают отрывистые звуки кларнета. Неторопливую поступь («вперевалочку») Утки и ее кряканье — гнусавый гобой. Сердитого и ворчливого Дедушку — низкие звуки фагота. Осторожные шаги (не вспугнуть бы Волка!) воинственных охотников передает «смешанная» краска четырех деревянных духовых инструментов: флейты, кларнета, гобоя, фагота; а их выстрелы — ударные инструменты: тарелки и большой барабан. Страшного Волка изображают резкие гармонии в звучании трех валторн. Пусть учащиеся попытаются понять значение того или иного средства выразительности.

Рассматривание нотной записи музыкальных тем персонажей сказки в учебнике позволит учителю обратить внимание на особенности мелодики, ритма, регистра (на что укажут скрипичный или басовый ключ), темпа, штрихов (акценты, стаккато). Можно наиграть, например, тему Пети и попросить детей спеть мелодию ровными длительностями (без пунктирного ритма и акцентов) Оказывается, именно эти особенности придают задор и энергию данной мелодии, а светлую окраску — мажорный лад. А что изменится, если спеть эту мелодию в миноре?
 
«Петя и волк». Названия инструментов и имена персонажей сказки учащиеся смогут прочитать на развороте, где дается «партитурный лист». Изображение детей, сидящих у старинного граммофона, напомнит, что сказку можно послушать и дома, в записи на аудиокассете2. Условная партитура поможет максимально собрать внимание детей и сделать восприятие всей сказки более увлекательным. Слушая сказку на уроке, учащиеся следят за ее развитием по партитуре в учебнике, затем самостоятельно выполняют задание, предлагаемое в рабочей тетради. Здесь надо отметить на соответствующей линии — строке партитуры — появление каждого действующего лица. Таким образом, дети смогут не только запомнить на слух тембры инструментов симфонического оркестра, но и зримо увидеть их взаимодействие в сказке, постичь ее музыкальную драматургию.
 
Дополнительная информация
В 1936 г. появилась на свет симфоническая сказка «Петя и волк» С. Прокофьева — «подарок не только всем московским детям, но и своим собственным», как шутливо говорил композитор Мысль о ней подала ему Н. Сац, директор и художественный руководитель Детского театра. Идея веселого представления, где живое, увлекательное слово естественно чередуется с музыкой, а каждый персонаж представлен тембром того или иного инструмента, увлекла С. Прокофьева, и он сочинил сказку за четыре дня. В тексте ее проявились и свойственный его литературному стилю лаконизм, и конкретность образов действующих лиц, и замечательный прокофьевский юмор. Невозможно без улыбки читать автограф текста, написанного в диковинной прокофьевской манере — почти без гласных «А есл послушать внимтльно, то слышно бло, кк в живте у волка крякала утка, птму чт волк тк трпилс, что проглотил ее живьем».

Остроумная, жизнерадостная музыка «Пети и волка» несет одновременно и педагогическую функцию, демонстрируя звучание отдельных инструментов оркестра. При этом Прокофьев стремился к наглядным контрастам: «Волк — птица, злое — доброе, большое — маленькое». Добрый, доверительный тон обращения к детворе был найден С. Прокофьевым удивительно точно. «Картинки с выставки». Параллельно второклассники продолжают знакомство с пьесами из цикла «Картинки с выставки» М. Мусоргского.
 
С главной темой «Прогулки» из фортепианной сюиты учащиеся познакомились в сопоставлении с «Прогулкой» С. Прокофьева. В концертном зале «прозвучат» еще две пьесы, контрастные по своему образному строю, — «Богатырские ворота» и «Балет невылупившихся птенцов». Перед восприятием пьесы «Богатырские ворота» можно спеть тему «Прогулки» в разных вариантах: распевно, подчеркивая ее песенность; энергично, подчеркивая маршевую поступь, изменить темп и спеть широко, могуче, торжественно. А если спеть быстро, отрывисто? Не возникнет ли ассоциация с радостным, праздничным звучанием колоколов? После этого послушать и спеть с детьми эту мелодию в ритмически измененном виде — так, как она звучит в пьесе «Богатырские ворота».

Пусть учащиеся попытаются ответить на вопросы: что же изменилось в звучании — мелодия, ритм, темп, динамика? Что нового придали мелодии «Прогулки» эти изменения? Пусть ребята внимательно всмотрятся в нотную запись «Богатырских ворот» и обратят внимание на «крупные» длительности, динамические оттенки, подчеркивающие именно торжественный характер звучания пьесы. 

Желательно, чтобы каждая из пьес первоначально появлялась вне связи с рисунками В. Гартмана, а как самостоятельное произведение. Что услышат в нем дети? Какое название дадут ему? Как нарисуют эту музыку, передавая свое впечатление? Только после этого целесообразно обратиться к рисункам В. Гартмана, послужившим толчком к созданию музыки. Это жанровые сцены, портретные зарисовки, образы, связанные с народным творчеством (сказкой, преданием, эпосом). Важно, чтобы дети почувствовали, что музыка не изображает своими средствами то, что нарисовал художник, а создает свой образ, подчас очень отличающийся от того, что представлено на картине.

Контрастом к «Богатырским воротам» служит пьеса «Балет невылупившихся птенцов». На основе простого эскиза В. Гартмана к балету, изображающего нескладных «детенышей-птенцов» в скорлупках, покрывающих их тело, как панцирь, строится шутливо-танцевальная сценка (скерцино). В ней сочетаются черты фантастики с изобразительными моментами (интонации «писка птенцов»), подчеркивающими юмористический оттенок балета. Изобразительный характер пьесы становится сразу очевидным для ребят: быстрый темп, высокие звуки (регистры), порхающие, чирикающие интонации. Почему же М. Мусоргский в названии пьесы поставил уже знакомое учащимся слово «балет»? Представьте учащимся пьесу в различном исполнении, одно из которых — С. Прокофьева (известно, что он был великолепным пианистом). Нередко после первого прослушивания дети говорят, что это разные пьесы — настолько различно исполнение. 

 
Назад   1 2 3 4 5 6 7 8 9 10   Далее

Назад

Ломоносовская частная школа Обучение в Англии: получите качественное образование вместе с Bright
Дарим сердца вместо WWW Ломоносовский детский сад